Kety Fusco is considered one of the most exciting voices in contemporary music. With her electric harp, she breaks boundaries between classical, avant-garde, and electronic sound worlds. In our conversation, she talks about the creation of her album BOHÈME, about bold experiments – even playing the harp underwater – and about her desire to cast the instrument in an entirely new light.

Kety, you say that BOHÈME is more than an album – it’s a manifesto. What was the moment you knew: this work would break the rules?

I realised it the moment I stopped asking myself what was “allowed” with a harp and
started following only the sound I wanted to hear. I pushed the instrument into extreme
contexts, even submerging it underwater to see how it would react in a completely alien
environment. I inserted a tube inside the soundboard, placed a DPA microphone at the
base, and used a small pedal that transformed the vibrations into vocal effects, which
later became part of the album. That’s when I understood that the harp could distort,
breathe, scream, and transform, freeing itself from tradition. BOHÈME stopped being just
an album – it became a declaration of independence and a manifesto of creative freedom.

You played your harp underwater – that sounds like performance art and science at the same time. How did this idea come about, and what did you learn about your instrument in the process?

The idea was born from my admiration for the radical experiments of sound artists and
sonic engineers like Andy Cavatorta, known for creating instruments immersed in unusual
environments – for example, those designed for the Aquasonic project, where instruments
are played underwater in large aquariums, such as the Rotacorda or the Crystallophone. I
wanted to merge performance art with almost scientific research, bringing the harp into a
context it was never meant to inhabit. I was fascinated by the idea of hearing the harp
breathe and resonate while submerged in a completely different element. Underwater, the
harp became unpredictable: the attack of each note shifted, the sustain behaved
differently, and new resonances emerged. It taught me that the harp is not a fixed voice,
but a living body – when you change its world, you also change its soul.

„Hi, this is Harp“ is not just a track title, but almost a statement. What would you
say: who is the harp in 2025?

In 2025, the harp is no longer a museum relic – it’s a shapeshifter. It can whisper like a
fairy tale, vibrate with the energy of an electric instrument, or pulse like a synthesiser. It
has broken free from the etiquette of tradition and now speaks fluently in the language of
contemporary sound.

With „Für Therese“ you give Beethoven’s „Für Elise“ a new poetic guise. How do
you manage to bridge the gap between venerable classical music and avant-garde sound?

For me, classical music is not a static monument to be admired from a distance, but a
living organism you can still converse with. I come from 15 years of rigorous classical
training, where Beethoven and the great composers were part of my daily musical
language. In Für Therese, I didn’t try to “modernise” Beethoven, but to engage in a
dialogue with him – almost across centuries – as if we were composing together. I took
Für Elise as an emotional thread and wove it into my present-day sensibility, using
electronic textures, harp harmonics, and silences charged with tension. I wanted to create
a space where the solemnity of classical music could coexist with the unpredictability of
the avant-garde, without either losing its identity. In this way, the original melody reveals
itself in a new light – more poetic, and perhaps more fragile – as if it were telling a secret
that had remained hidden for over two hundred years.

After 15 years of classical training – what was the key moment when you consciously broke away from tradition?

The turning point came when I realised that the rigidity of the rules was suffocating my
voice. I could perform perfectly, but I couldn’t express myself the way I wanted to – every
note, every gesture had to follow a predetermined canon. I began to feel my creativity
pushing for space, wanting to hear the harp breathe in ways not foreseen by the score.
The break happened when I composed my first original piece, letting instinct guide my
fingers more than the rules. It was like opening a window after years in a closed room –
and from that moment, I never looked back.

In your music, sound becomes language, becomes vision. What stories does
„BOHÈME“ tell when one listens with eyes closed?

BOHÈME tells a story of liberation. With eyes closed, it is a journey that begins in a
confined, almost suffocating space, where the sound is tense and charged with
resistance. Then come moments of chaos, struggle, and rupture, until the air opens and
you find yourself in a boundless horizon. It is a personal story, but also a universal one: it
speaks of breaking free from invisible cages, finding your own rhythm, recognising your
own voice. There is no single plot – each listener can experience it as their own tale of
escape and rebirth.

You have collaborated with artists like Iggy Pop. What does a rock star like him
bring into your sonic world? And perhaps, what do you bring into his?

With Iggy, I wanted to create a contrast: his rough, powerful voice alongside the sonic
world of this track, and build a mantra around his words, “the harp is not heard as much,”
like a kind of hypnosis. I thought it would be a clash of opposites, but it turned out to be a
perfect fit. His energy gave the track an instinctive strength, while the electric harp and
my textures opened a space where that voice could resonate in a completely new way. It
was a surprising encounter, where two different languages recognised and fused with
each other.

What role does courage play for you in composing? Are there moments when you
yourself are surprised by what is sonically possible?

For me, courage is essential in composing: without daring, without taking risks, you stay
trapped in your comfort zone and end up repeating yourself. Often, the most interesting
moments come from an idea that at first seems “wrong” or impossible to achieve. When I
push it through, I discover sonic possibilities I could never have imagined. With the
electric harp, this happens often – an unexpected effect, an unusual resonance, a noise
that becomes an integral part of the music. These moments of surprise remind me that
sound is alive, and that it’s always worth pushing beyond the limits.

What would you like to share with listeners who engage with „BOHÈME“ – especially those who think they already know what the harp sounds like?

I would tell them to forget everything they know about the harp. Listening to BOHÈME
means meeting an instrument that can be delicate and fierce, acoustic and digital, rooted
in tradition yet completely new. I invite them to approach it without prejudice, but with
curiosity and trust. It may surprise you, unsettle you, or even challenge you – but if you
listen through to the end, I will thank you, because you will have given voice to a new
harp.

If you had to say in a single sentence what „BOHÈME“ means – what would be your personal mantra for this album?

Freedom begins where rules end.

A heartfelt thank you to Kety Fusco for this inspiring and powerful interview. It is
admirable how, with such artistic determination, you explore new soundscapes and, with BOHÈME, open a gateway to the future of music. We wish you continued success, bold ideas, and enthusiastic listeners on your journey beyond all boundaries. All the best – and until the next leap into the unheard! CK

Kety Fusco
Boheme
Label: TBA
VÖ: 19.09.2025
Genre: KLASSISCHE CROSSOVER-MUSIK
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DE

Klang ohne Kompromisse – Kety Fusco und die Revolution der Harfe

Kety Fusco gilt als eine der spannendsten Stimmen der zeitgenössischen Musik. Mit ihrer elektrischen Harfe sprengt sie Grenzen zwischen Klassik, Avantgarde und elektronischen Klängen. In unserem Gespräch erzählt sie von der Entstehung ihres Albums BOHÈME, von mutigen Experimenten – bis hin zum Spiel der Harfe unter Wasser – und von ihrem Wunsch, das Instrument in ein völlig neues Licht zu rücken.

Kety, du sagst, dass BOHÈME mehr ist als ein Album – es ist ein Manifest. Wann war der Moment, in dem du wusstest: Dieses Werk wird die Regeln brechen?

Ich habe es in dem Moment erkannt, als ich aufgehört habe, mich zu fragen, was mit einer Harfe „erlaubt“ ist, und begann, nur dem Klang zu folgen, den ich hören wollte. Ich habe das Instrument in extreme Kontexte gedrängt, es sogar unter Wasser getaucht, um zu sehen, wie es in einer völlig fremden Umgebung reagieren würde. Ich habe ein Rohr in den Resonanzkörper eingesetzt, ein DPA-Mikrofon am Fuß platziert und ein kleines Pedal verwendet, das die Vibrationen in Vokaleffekte verwandelte, die später Teil des Albums wurden. Da habe ich verstanden, dass die Harfe verzerren, atmen, schreien und sich verwandeln kann – und sich so von der Tradition befreit. BOHÈME hörte auf, nur ein Album zu sein – es wurde zu einer Unabhängigkeitserklärung und einem Manifest kreativer Freiheit.

Du hast deine Harfe unter Wasser gespielt – das klingt gleichzeitig nach Performancekunst und nach Wissenschaft. Wie kam diese Idee zustande, und was hast du dabei über dein Instrument gelernt?

Die Idee entstand aus meiner Bewunderung für die radikalen Experimente von Klangkünstlern und Sound-Ingenieuren wie Andy Cavatorta, der dafür bekannt ist, Instrumente in ungewöhnliche Umgebungen zu versetzen – zum Beispiel für das Projekt Aquasonic, bei dem Instrumente in großen Aquarien unter Wasser gespielt werden, wie die Rotacorda oder das Crystallophon. Ich wollte Performancekunst mit fast wissenschaftlicher Forschung verbinden und die Harfe in einen Kontext bringen, für den sie nie gedacht war. Mich faszinierte die Vorstellung, die Harfe atmen und resonieren zu hören, während sie in einem völlig anderen Element eingetaucht ist. Unter Wasser wurde die Harfe unberechenbar: der Anschlag jeder Note veränderte sich, der Nachhall verhielt sich anders, und neue Resonanzen entstanden. Es hat mir gezeigt, dass die Harfe keine feste Stimme ist, sondern ein lebender Körper – wenn du ihre Welt veränderst, veränderst du auch ihre Seele.

“Hi, this is Harp” ist nicht nur ein Tracktitel, sondern fast eine Aussage. Was würdest du sagen: Wer ist die Harfe im Jahr 2025?

Im Jahr 2025 ist die Harfe kein Museumsrelikt mehr – sie ist ein Gestaltwandler. Sie kann flüstern wie ein Märchen, vibrieren mit der Energie eines elektrischen Instruments oder pulsieren wie ein Synthesizer. Sie hat sich von der Etikette der Tradition befreit und spricht nun fließend die Sprache des zeitgenössischen Klangs.

Mit Für Therese gibst du Beethovens Für Elise eine neue poetische Gestalt. Wie gelingt es dir, die Brücke zwischen ehrwürdiger Klassik und avantgardistischem Klang zu schlagen?

Für mich ist klassische Musik kein statisches Denkmal, das man nur aus der Ferne bewundert, sondern ein lebendiger Organismus, mit dem man immer noch ins Gespräch treten kann. Ich komme aus 15 Jahren strenger klassischer Ausbildung, in denen Beethoven und die großen Komponisten Teil meiner täglichen musikalischen Sprache waren. In Für Therese habe ich nicht versucht, Beethoven zu „modernisieren“, sondern mit ihm in einen Dialog zu treten – fast über die Jahrhunderte hinweg – als würden wir gemeinsam komponieren. Ich habe Für Elise als emotionalen Faden genommen und ihn in meine heutige Sensibilität eingewoben, mit elektronischen Texturen, Harfenharmonien und Spannungsstille. Ich wollte einen Raum schaffen, in dem die Feierlichkeit der Klassik mit der Unberechenbarkeit der Avantgarde koexistieren kann, ohne dass eine ihre Identität verliert. So offenbart sich die ursprüngliche Melodie in einem neuen Licht – poetischer, vielleicht auch zerbrechlicher – als würde sie ein Geheimnis erzählen, das über zweihundert Jahre verborgen blieb.

Nach 15 Jahren klassischer Ausbildung – was war der Schlüsselmoment, in dem du dich bewusst von der Tradition gelöst hast?

Der Wendepunkt kam, als ich erkannte, dass die Starrheit der Regeln meine Stimme erstickte. Ich konnte perfekt spielen, aber ich konnte mich nicht so ausdrücken, wie ich wollte – jede Note, jede Geste musste einem vorgegebenen Kanon folgen. Ich spürte, wie meine Kreativität nach Raum drängte, wie die Harfe auf Weisen atmen wollte, die in den Partituren nicht vorgesehen waren. Der Bruch kam, als ich mein erstes eigenes Stück komponierte und dabei mehr meinem Instinkt folgte als den Regeln. Es war, als ob ich nach Jahren in einem geschlossenen Raum ein Fenster öffnete – und von diesem Moment an habe ich nie zurückgeblickt.

In deiner Musik wird Klang zur Sprache, wird zur Vision. Welche Geschichten erzählt BOHÈME, wenn man mit geschlossenen Augen zuhört?

BOHÈME erzählt eine Geschichte der Befreiung. Mit geschlossenen Augen ist es eine Reise, die in einem engen, fast erstickenden Raum beginnt, wo der Klang angespannt und voller Widerstand ist. Dann kommen Momente von Chaos, Kampf und Bruch, bis sich die Luft öffnet und man sich in einem grenzenlosen Horizont wiederfindet. Es ist eine persönliche Geschichte, aber auch eine universelle: Sie erzählt vom Ausbrechen aus unsichtbaren Käfigen, vom Finden des eigenen Rhythmus, vom Erkennen der eigenen Stimme. Es gibt keine einzige Handlung – jeder Hörer kann sie als seine eigene Geschichte von Flucht und Wiedergeburt erleben.

Du hast mit Künstlern wie Iggy Pop zusammengearbeitet. Was bringt ein Rockstar wie er in deine Klangwelt ein? Und vielleicht auch: Was bringst du in seine?

Mit Iggy wollte ich einen Kontrast schaffen: seine raue, kraftvolle Stimme im Zusammenspiel mit der Klangwelt dieses Tracks – und darum ein Mantra aufbauen aus seinen Worten „the harp is not heard as much“, wie eine Art Hypnose. Ich dachte, es würde ein Zusammenprall der Gegensätze werden, aber es stellte sich als perfekte Ergänzung heraus. Seine Energie gab dem Stück eine instinktive Kraft, während die elektrische Harfe und meine Texturen einen Raum öffneten, in dem diese Stimme auf völlig neue Weise resonieren konnte. Es war eine überraschende Begegnung, in der sich zwei verschiedene Sprachen erkannten und miteinander verschmolzen.

Welche Rolle spielt für dich Mut beim Komponieren? Gibt es Momente, in denen du selbst überrascht bist von dem, was klanglich möglich ist?

Für mich ist Mut beim Komponieren unverzichtbar: Ohne Wagnis, ohne Risiko bleibt man in seiner Komfortzone gefangen und wiederholt sich am Ende nur. Oft entstehen die spannendsten Momente aus einer Idee, die zunächst „falsch“ oder unmöglich erscheint. Wenn ich sie dennoch durchsetze, entdecke ich klangliche Möglichkeiten, die ich mir nie hätte vorstellen können. Mit der elektrischen Harfe passiert das oft – ein unerwarteter Effekt, eine ungewöhnliche Resonanz, ein Geräusch, das Teil der Musik wird. Diese Überraschungsmomente erinnern mich daran, dass Klang lebendig ist – und dass es sich immer lohnt, die Grenzen zu überschreiten.

Was möchtest du den Hörerinnen und Hörern mitgeben, die sich auf BOHÈME einlassen – besonders jenen, die glauben, bereits zu wissen, wie eine Harfe klingt?

Ich würde ihnen sagen: Vergesst alles, was ihr über die Harfe wisst. BOHÈME zu hören bedeutet, einem Instrument zu begegnen, das zugleich zart und wild, akustisch und digital sein kann – verwurzelt in der Tradition und doch völlig neu. Ich lade sie ein, ohne Vorurteile, aber mit Neugier und Vertrauen zu hören. Es kann euch überraschen, verstören oder sogar herausfordern – aber wenn ihr bis zum Ende zuhört, danke ich euch, denn dann habt ihr einer neuen Harfe Stimme gegeben.

Wenn du in einem Satz sagen müsstest, was BOHÈME bedeutet – was wäre dein persönliches Mantra für dieses Album?

Freiheit beginnt dort, wo Regeln enden.

Ein herzliches Dankeschön an Kety Fusco für dieses inspirierende und kraftvolle Gespräch. Bewundernswert ist, mit welch künstlerischer Entschlossenheit du neue Klangwelten erforschst und mit BOHÈME ein Tor zur Zukunft der Musik öffnest. Wir wünschen dir weiterhin Erfolg, mutige Ideen und begeisterte Zuhörerinnen und Zuhörer auf deiner Reise jenseits aller Grenzen. Alles Gute – und bis zum nächsten Sprung ins Ungehörte! CK

Kety Fusco
Boheme
Label: TBA
VÖ: 19.09.2025
Genre: KLASSISCHE CROSSOVER-MUSIK
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Bild © Sebastiano Piattini