Die Rückkehr eines verlorenen Kapitels. THE BLOOD ARM – BOMB ROMANTICS 

Manche Alben markieren den Beginn einer Karriere. Andere werden zu Legenden, weil sie jahrelang verschwinden. Mit Bomb Romantics veröffentlichen The Blood Arm ihr lange vergriffenes Debüt erstmals digital. Das Album entstand in einem einzigen Wochenende, wurde damals in Eigenregie veröffentlicht und entwickelte sich später zum Ausgangspunkt einer außergewöhnlichen Bandgeschichte. Wir sprechen mit The Blood Arm über Erinnerungen, kreative Freiheit, DIY-Mentalität und die Rückkehr zu ihren Wurzeln. 

Answered by Nathaniel Fregoso (vocals) and Dyan Valdés (keyboards).

Bomb Romantics galt lange als verlorenes Kapitel eurer Geschichte. Wie fühlt es sich an, dieses Album nach mehr als 20 Jahren endlich wieder der Öffentlichkeit zugänglich zu machen?

Nathaniel: Ich freue mich wirklich sehr, dass es jetzt erhältlich ist. Ich hatte immer das Gefühl, dass es damals nicht die Anerkennung bekam, die es verdient hätte, obwohl es für den Start unserer Karriere entscheidend war. Wir haben es an einem Wochenende aufgenommen und eine Erstauflage von 1.000 Exemplaren gedruckt, was ein nützliches Mittel war, da wir es nicht nur verkaufen, sondern auch an Leute verschenken konnten, die uns vielleicht Türen öffnen würden – genau das ist mit Franz Ferdinand passiert, als sie uns bei ihrer Aftershow spielen sahen und uns daraufhin als ihre Lieblingsband bezeichneten. Nachdem die 1.000 Exemplare ausverkauft waren, fanden wir nie wieder die Zeit oder die Mittel, es neu aufzulegen. Deshalb freue ich mich, unserer neuen Fangemeinde und der jüngeren Generation die Möglichkeit zu geben, es sich anzuhören. Ich bin stolz auf das Album und auf das, was wir geschaffen haben, und auch wenn es in vielerlei Hinsicht noch Ecken und Kanten hat und ich die Songs heute wahrscheinlich nicht mehr genauso schreiben würde, liebe ich es immer noch. Es ist unser erstes Kind, unser erstes Baby.

Wenn ihr die Songs heute hört, was überrascht euch am meisten an euren jüngeren Versionen?

Dyan: Nachdem die 1000 Exemplare ausverkauft waren, haben wir das Album quasi ad acta gelegt und aufgehört, diese Songs live zu spielen. Es fühlt sich an, als hätten wir uns seitdem zum ersten Mal wieder wirklich ernsthaft mit diesen Songs beschäftigt haben, und ich bin überrascht, wie gut sie sind! 

Nathaniel: Es ist wirklich schön, diese Musik zu hören und an unser jüngeres Ich zurückzudenken und daran, wie weit wir gekommen sind. Aber was mich an unserem jüngeren Ich am meisten überrascht hat, sind nicht einmal die Songs, sondern einfach der Gedanke daran, wie wir den ganzen Tag gearbeitet haben, weil wir alle Jobs hatten. Wir sind nach der Arbeit zu unserem Proberaum gefahren, haben ein paar Stunden geprobt, sind danach gemeinsam ausgegangen und haben dann den ganzen Tag von vorne begonnen. Und das war einfach ein wahnsinniger Kreislauf, den nur ein junger Mensch Anfang 20 durchhalten konnte.

Dyan: Ja, genau. Es ist diese Energie, die man in den Zwanzigern hat, die mich überrascht.

Nathaniel: Oder man ist einfach hungrig und weiß irgendwie, dass das auf Dauer nicht durchzuhalten ist, aber es ist dieser Funke der Jugend, der so aufregend ist.

Das Album entstand innerhalb eines einzigen Wochenendes. Welche Vorteile hatte dieser enorme Zeitdruck für die Kreativität der Band?

Nathaniel: Für mich kam es damals nicht wie Zeitdruck vor, ich hatte einfach das Gefühl, dass Alben eben so entstanden. Mir ist einfach nie in den Sinn gekommen, dass wir einen Monat brauchen würden, um ein Album aufzunehmen. Ich dachte, das Album und der Aufnahmeprozess würden bedeuten, dass man in eine Garage geht und alle Songs aufnimmt, die man bis zu diesem Zeitpunkt geschrieben hatte. Und deine Stimme klang ein bisschen rau, genau wie die Aufnahmen von Bands, die ich mochte – also war es überhaupt kein Zeitdruck. Es war einfach aufregend, im Studio zu sein. Wir mussten wirklich gut proben und gut eingespielt sein, wenn wir ins Studio gingen, und der Druck, so viele Songs in zwei Tagen aufzunehmen, hat uns einfach zu einer besseren Band gemacht – aber ich glaube, wir waren zu diesem Zeitpunkt schon eine ziemlich gute Live-Band. Ich glaube auch, dass es unsere Punk-Wurzeln mehr zeigt als alles andere, was wir je gemacht haben. Ich erinnere mich immer daran, dass es mir, nachdem wir den Vertrag unterschrieben und „Lie Love or Lie“ (das zweite Blood-Arm-Album) aufgenommen hatten, so schwerfiel, diesen Sprung in der Produktion zu begreifen. Alles, was ich zu diesem Zeitpunkt kannte, war so eine Art amerikanische Indie-Ästhetik, ein eher garagiger Sound. Meine Einflüsse waren eher Fugazi, The Make-Up, Bratmobile, all die Bands aus Olympia, K Records, Up Records, solche Sachen eben. Und alles, was nicht wie diese Bands klang, kam mir damals zu mainstreamig vor. 

Dyan: Ich kann mich nicht daran erinnern, dass es einen besonderen Sprung in unserem Vorbereitungsstand und dem Druck gegeben hätte zwischen dem Niveau, auf dem wir uns ständig befanden, und dem Einstieg ins Studio. Weil wir so oft gespielt haben, fühlte es sich einfach so an: „Oh, wir spielen ein Konzert, aber dieses Mal wird es aufgenommen.“ Ich war nervös, aber die Songs waren da, und wir waren unglaublich eingespielt, weil wir etwa dreimal pro Woche geprobt haben. Wir sind fast einmal pro Woche live aufgetreten, zeitweise sogar noch öfter. Und ich glaube, es war uns wirklich wichtig, die Live-Energie in der Aufnahme einzufangen, was uns bei einer konventionelleren Track-für-Track-Aufnahme schwergefallen wäre. Das ist ein anderer Stil.

Viele junge Bands kämpfen heute mit Perfektionismus. Ihr habt damals einfach gemacht. Ist diese Mentalität verloren gegangen?

Nathaniel: Perfektionismus ist für mich kein Problem. Ich liebe es, einfach loszulegen. Und wenn ich die Möglichkeit hätte, in zwei Tagen ein weiteres Album aufzunehmen, würde ich das auf jeden Fall tun. Das soll nicht heißen, dass ich nicht möchte, dass die Dinge gut werden – ich habe hohe Ansprüche –, aber ich sehe Perfektionismus nicht als Hindernis für mich. Und ich finde, junge Bands sollten einfach mehr loslegen, ohne sich zu sehr auf Perfektion zu versteifen.

Dyan: Wir haben damals immer gescherzt, dass Nathaniel wie ein Hai sei, der niemals rückwärts schwimmt! Aber diese Mentalität hat uns geholfen, uns nicht auf Perfektion zu konzentrieren, sondern einfach festzuhalten, wo die Band stand und wie die Songs zu diesem Zeitpunkt klangen, anstatt auf einen magischen „perfekten Zeitpunkt“ zu warten, der niemals kommen wird, weißt du? In den Jahren seitdem habe ich Musiker:innen kennengelernt, die unter dieser Art von „Lähmung durch Analyse“ leiden, die sie daran hindert, voranzukommen. Ich glaube, die Zusammenarbeit mit Nathaniel hat mir geholfen, diesen Perfektionismus zu überwinden. Es hat mich als Musikerin und als Mensch weitergebracht, einfach sagen zu können: Ab einem bestimmten Punkt muss man einfach weitermachen. Es ist, wie es ist, und natürlich ist es wichtig, hohe Ansprüche zu haben, aber man darf sich niemals so sehr festfahren, dass man am Ende gar nichts mehr produziert.

Songs wie „Do I Have Your Attention?“ oder „Say Yes“ wurden später zu wichtigen Bestandteilen eurer Karriere. Habt ihr damals bereits gespürt, welches Potenzial in diesen Stücken steckt?

Nathaniel: Ich habe bei „Do I Have Your Attention?“ definitiv das Potenzial gespürt. Ich wusste, dass der Song im Ohr bleibt.

Dyan: Ich glaube, was diese beiden Songs für mich so besonders gemacht hat, ist, dass die Leute sie einmal live gehört haben und sich dann daran erinnern konnten. Als wir ständig live gespielt haben – vor allem, bevor wir überhaupt Alben hatten –, wusste ich, dass etwas funktioniert, wenn die Leute nach der Show zu mir kamen und sagten: „Mir gefällt der Song, in dem es ‚say yes, say yes‘ heißt, oder der, in dem es ‚do I have your attention?‘ heißt.“ Für mich war es als Songwriterin eine wirklich wichtige Lektion, darauf zu achten, woran sich die Leute von deinen Auftritten erinnern, welche Stellen sie auf dem Heimweg noch vor sich hin summen. Wenn die Leute den Song mit nur ein paar Worten beschreiben können oder sich nach einmaligem Hören an den Refrain erinnern, dann ist das ein Song, auf den man sich konzentrieren sollte.

Ihr habt bewusst auf einen klassischen Bassisten verzichtet. Wie wichtig war dieser Mut zum Anderssein für die Entwicklung eures Sounds?

Nathaniel: Also, erstens kannten wir niemanden, der Bass spielte! Ich weiß also nicht, ob es eine bewusste Entscheidung war. Ich wollte eine Band gründen. Zebastian (Carlisle) spielte Gitarre, und so fingen wir an, zusammen zu spielen. Dyan spielte Klavier und spielte mit uns, und das war dann die Band. 

Dyan: Und tatsächlich hatten wir anfangs auch keinen Schlagzeuger.

Nathaniel: Ja, wir haben nur zu dritt geprobt, und Dyan hat die Basslinien einfach auf dem Keyboard gespielt. Und so hat sich der Sound entwickelt. Ich glaube, das war für viele Leute ein Knackpunkt, vor allem in der damaligen Musikbranche – sie sagten uns, wir bräuchten einen Bassisten. Aber für uns fühlte es sich damals richtig an. Einer meiner Einflüsse waren The Doors, und zwar nicht unbedingt der Sound von The Doors wie Bluesrock, sondern eher die Ästhetik: der extrovertierte Frontmann, dieses etwas provokante „Alles ist möglich“-Gefühl bei den Konzerten, die Geschichte von Los Angeles und diese klassische Besetzung aus Sänger, Gitarrist, Keyboarder und Schlagzeuger. Und jeder in der Band hat eine starke und unvergessliche Persönlichkeit. 

Dyan: Ray Manzarek von The Doors hatte einen Jazz-Hintergrund, den ich nicht habe, aber er hat der Musik eine sehr komplexe und facettenreiche Präsenz an Klavier, Orgel und Keyboard verliehen. Das war etwas, das meiner Meinung nach ziemlich einzigartig für The Doors als Band war. Es ist nicht diese atmosphärische Art des Keyboardspiels, bei der man einfach nur einen langgezogenen Akkord hält, sondern es ist wirklich treibend. Auch wenn unsere Stile unterschiedlich sind, denke ich, dass diese Idee, dass das Keyboard sehr präsent sein sollte, unseren Sound wirklich von vielen dieser Indie-Bands der frühen 2000er Jahre unterschieden hat, die eher auf britisch vom Post-Punk inspirierte, kantige Gitarren und Hi-Hat-Sounds setzten. Und dann haben wir hier eine Art klirrendes, von klassischer Musik und dem Musiktheater inspiriertes Klavier, das wir in die Welt des Rock ’n’ Roll einbringen. Und so glaube ich, dass es insgesamt diese Präsenz des Keyboards war, die uns auszeichnete, und nicht nur die Tatsache, dass wir keinen Bassisten hatten.

„In Fiction“ wirkt rückblickend besonders persönlich. Wie hat sich euer Songwriting seit den frühen Tagen verändert?

Nathaniel: Ich habe mich dazu immer sehr offen geäußert: Die Texte von The Blood Arm basierten stark auf meinem Privatleben und waren fast wie Tagebucheinträge. Das ging so weit, dass ich manchmal das Gefühl hatte, Dinge nur zu tun, um etwas zu haben, worüber ich schreiben konnte. Einfach sehr egoistisch, was mein Privatleben angeht.

Dyan: Du hast immer gesagt: „Das muss ich leben, Mann!“

Nathaniel: Ja, „Ich muss das erleben“, das habe ich immer gesagt. Aber es muss nicht unbedingt so sein. Das habe ich im Laufe der Jahre gelernt. Und ich glaube, bei meinen späteren Bands habe ich mich von diesem bekennenden Songwriting-Stil entfernt, was mir geholfen hat, mich als Songwriter weiterzuentwickeln. Man braucht diesen bekennenden Stil nicht, um gute Songs zu schreiben oder authentisch zu sein. Man muss einfach diese Momente der Wahrheit in einem Song finden, die einen selbst berühren. Ich merke, wenn ich einen Text schreibe und er sich nicht richtig anfühlt, weil ich keinen Bezug dazu herstellen kann – wenn ich die Wahrheit darin nicht finde, selbst wenn es nur ein alberner, belangloser Text ist. Und ich glaube, man kann über verschiedene Themen schreiben, über persönliche Themen oder, na ja, über historische Themen oder was auch immer. Ich glaube, der Unterschied zwischen damals und heute ist, dass ich mich mittlerweile sicher genug fühle, über eine breite Palette von Themen zu schreiben, während ich früher nur über mich selbst geschrieben habe.

Los Angeles spielte für die Entstehung von Bomb Romantics eine zentrale Rolle. Welche Bedeutung hat die damalige Szene heute noch für euch?

Nathaniel: Die frühen 2000er waren definitiv eine besondere Zeit in LA, in der viele junge Leute in ähnlichem Alter gemeinsam Musik machten. Viele von uns wurden von Bands wie The Strokes und The White Stripes beeinflusst und inspiriert. Zu sehen, dass junge Leute Rockmusik machen konnten, die dann im Radio gespielt wurde und zum Mainstream gehörte – das war wirklich inspirierend. Bis dahin war all die Indie- und Punkmusik, die ich hörte und von der ich besessen war, immer Underground gewesen, und die Konzerte waren so etwas wie besondere Treffpunkte. Aber dann, als plötzlich The Strokes und The White Stripes auftauchten, dachte man: „Oh, das läuft jetzt im Radio, das kann ich auch.“ Es schien wirklich zugänglich zu sein. Und ich glaube, viele Leute haben das so empfunden. Und es fühlte sich wirklich wie eine Szene an. Wir kannten die Veranstalter, wir kannten die Veranstaltungsorte. Zu dieser Zeit waren das das Spaceland, das es in Los Angeles mittlerweile nicht mehr gibt, und das Echo. Und immer dieselben Leute aus der Szene trafen sich dort und gingen gemeinsam zu den Konzerten. 

Dyan: Ich möchte noch etwas hinzufügen – etwas, das mir damals, als wir mittendrin steckten, gar nicht bewusst war und mir erst später klar wurde, als wir anfingen zu reisen und auf Tour zu gehen: Wie vielfältig das Ganze war. Viele der Bands bestanden aus Mitgliedern unterschiedlichen Geschlechts. Es traten auch queere Bands auf. Was die Vielfalt der Herkunft angeht, war es zwar nicht so divers, wie wir es uns gewünscht hätten, aber es gab mehr Vielfalt als an anderen Orten.

Ich erinnere mich noch genau daran, wie ich zum ersten Mal mein Geschlecht als Frau in einer Band wirklich spürte, als wir in England auf Tour gingen. Ich dachte mir: „Wow, ich werde hier ganz anders behandelt – und zwar nicht auf eine nette oder respektvolle Art und Weise.“ Und das habe ich in LA nie gespürt, weder von meinen Bandkollegen noch von den Veranstaltern oder den Fans. Es fühlte sich also wirklich wie ein sehr ermutigender und liebevoller Ort an, aber auch auf eine gute Art und Weise wettbewerbsorientiert, wie man es braucht, wenn man gerade erst anfängt. Es war wie ein Garten, der von vielen verschiedenen Menschen bewässert wurde.

Nathaniel: Und wo wir gerade von dieser Vielfalt sprechen: Es gab auch eine Offenheit seitens verschiedener Szenen. Es gab viel Unterstützung. Was die Queer-Szene in LA angeht – das war das Publikum, das uns als Erstes mit offenen Armen empfangen hat. Ich erinnere mich an einen Auftritt in West Hollywood, das historisch gesehen das queere Viertel von LA ist, und da wurde mir zum ersten Mal bewusst, dass wir Fans hatten, die nicht unsere Eltern oder unsere engsten Freunde waren, denen wir ein schlechtes Gewissen eingeredet hatten, damit sie zu uns kamen. Es war so: „Oh, diese Leute kommen, um uns zu sehen. Sie sind unsere Fans. Sie kennen unsere Songs.“ Und Leute aus dieser Szene spielten mit uns, buchten uns und unterstützten uns.

Das Album erscheint als Remaster. Wie schwierig war der Spagat zwischen technischer Modernisierung und dem Erhalt der ursprünglichen Energie?

Nathaniel: Ich glaube, die ursprüngliche Energie ist noch da. Bei einer Remaster-Version geht es eigentlich nur darum, das Album etwas lauter und – wie Mastering-Ingenieure sagen würden – „wettbewerbsfähig“ zu machen, damit man beim Vergleich von heute produzierten Titeln mit unseren Titeln, die ja, wie man weiß, in den frühen 2000er Jahren entstanden sind, keinen Qualitätsverlust feststellt. Dass es nicht leiser ist, dass die Frequenzen angenehm für das Ohr sind und nicht ablenken oder verzerren. Aber die Energie der Titel – die hätten wir nicht ändern können.

Dyan: Ja, letztendlich wurde es in zwei Tagen live auf Band aufgenommen. Ich weiß also nicht, welche technische Modernisierung das wie eine hochproduzierte Pop-Platte oder was auch immer klingen lassen könnte! Ich glaube, es wird immer wie das Originalmaterial klingen. Wir haben das Remastering von Jörg Burger machen lassen, einem in Köln ansässigen Produzenten und Mastering-Ingenieur. Er hat großartige Arbeit geleistet, indem er die Energie bewahrt hat, aber gleichzeitig dafür gesorgt hat, dass man zum ersten Mal Details in einigen Passagen hören kann, die bei unserem ursprünglichen Mastering vielleicht etwas matschig geworden waren. Eigentlich glaube ich nicht einmal, dass wir es ursprünglich wirklich gemastert haben. Es wurde vielleicht nur durch einen Filterprozess in irgendeinem Computerprogramm gejagt.

Nathaniel: Ja, ich kann mich nicht daran erinnern, „Bomb Romantics“ gemastert zu haben. Zumindest nicht professionell.

Dyan: Das ist also das erste Mal, dass wir es richtig gemastert hören. Vielleicht hätten wir es also einfach „gemasterte Version“ statt „remastered“ nennen sollen.

Nathaniel: Genau. „Endlich zum ersten Mal gemeistert.“ Das ist das Alleinstellungsmerkmal.

Können sich Fans im Zusammenhang mit dieser Veröffentlichung auf weitere Aktivitäten, besondere Shows oder sogar neue Musik freuen? 

Nathaniel: Nun, wir spielen am 30. September ein Konzert im legendären „Schokoladen“ in Berlin. Darüber hinaus haben wir keine unmittelbaren Pläne. Man weiß aber ja nie, was noch passieren wird. Wenn Fans sich bei uns melden und uns mitteilen, dass sie sich Konzerte und neue Musik von uns wünschen, dann schauen wir mal, wohin uns das führt. Aber es ist schön, wieder zusammen zu sein, und ich freue mich auf den Auftritt. Es fühlt sich an, als wäre jetzt der richtige Zeitpunkt dafür.

Dyan: Ja, und ich glaube, für uns alle war es ein wirklich wunderbarer Prozess, diese Musik zu veröffentlichen und zu sehen, dass die alten Fans immer noch da sind und dass die Leute diese Songs immer noch mögen und dass sie ihnen etwas bedeuten. Und wenn wir uns wieder mit diesen Songs beschäftigen, wird uns bewusst, wie viel uns dieses Album bedeutet – deshalb ist es wunderbar, das wieder mit den Leuten zu teilen.

Vielen Dank für eure Zeit und eure offenen Einblicke in die Geschichte von Bomb Romantics. Es ist spannend zu sehen, wie ein lange verborgenes Kapitel eurer Bandgeschichte nun endlich einem größeren Publikum zugänglich wird. Wir wünschen euch eine erfolgreiche Veröffentlichung, viele neue Hörerinnen und Hörer sowie viel Freude dabei, diese besondere Reise noch einmal mit euren Fans zu teilen. 

Interview by CK 

The Blood Arm – Bild © Amelia Tabullo